No sabéis a duras penas quien soy; escribo, pinto desde que era un niño, hoy lo hago en el silencio de la montaña, rodeado de animales. Lo sé, beben palabras de amor; yo dispenso el néctar.

 Que un hombre llore o sea sensible provoca rechazo, resulta molesto. Yo soy uno de ellos; maldita adrenalina. En nosotros es amanerada y cursi la dulzura, casi despreciable; ser fuerte es baluarte de elegidos, destreza vital a la que pocos tenemos acceso.

 Enamorado del deporte y vegano. He publicado varios libros y soy un pintor loco, autodidacta amante del bosque y el color azul aguamarina.



A primera vista podría creerse que el color es aplicado en trazos rápidos, frenéticos, pero es todo lo contrario. Antoine trabaja sobre lienzo, racionaliza cada pincelada, toma distancia y continúa el proceso. Sus creaciones son fieles a su naturaleza: enérgicas, pero al mismo tiempo equilibradas. […] En el presente afloran Basquiat y el bad painting en esa forma un tanto arremolinada de la pincelada, en la manera en que la figuración es casi nula, donde también se evidencia un gusto por la figuración abstracta y por el uso de diversos encuadres que hacen muy atendibles sus composiciones al proponer otras perspectivas de los motivos centrales.

Surrealismo abstracto. Me interesa la abstracción paradójicamente asumida desde las técnicas clásicas de la representación. Parto de la gestualidad del automatismo, desde la mancha o el accidente y con ellos construyo apoyado en las líneas y en los tonos o valores de una reducida paleta de colores. Persigo crear una imagen o atmósfera surreal en donde las figuras amorfas y su relación con el fondo dan sentido a la espacialidad y teatralidad de la escena. Lo insinuado y sugerido toma cuerpo en disímiles texturas y volúmenes evocando la propia naturaleza interna y externa del hombre.

La obra es una exploración del poder del color y la textura para
evocar una respuesta emocional o visceral en el espectador. El proceso comienza al revés, ya que empiezo con un fondo y dejo que la imagen surja de él: casi como si estuviera tallando una escultura en piedra. 
A diferencia de cuando volví a empezar, ya no busco borrar los
vestigios del proceso, por lo que las piezas terminadas contienen las capas del proceso de simplificación y refinamiento continuos de la obra. Al final, solo quedan los elementos esenciales que conectan al espectador con la obra, o al menos, ese es mi objetivo.



Cómo encontrarse con los peces si no está el mar cerca, ni la ribera de río alguno asoma en las telas. Sin embargo, todos están ahí, yacen al acecho. Una duda socrática ayudará al perceptor a mirar con todos los prejuicios necesarios para desentrañar los juegos de palabras camufladas por los pigmentos. Tendrá que escuchar el coro de voces que habitan en superficies abstractas y planas, en espirales, en formas entremezcladas […] en una sola o en múltiples dimensiones, en un espacio infinito y un tiempo que se dilata, para convertirse estos en “instrumentos de la poesía de la tela” […] (C. Escala Fernández).

En “Cañón del Antílope”, las posibilidades de composición artística son infinitas. Esta imagen es un estudio de cómo la luz esculpe espacios de textura y color en capas tridimensionales capturadas en un medio bidimensional. Con sus fotografías, quiere que sientas lo que ve. Su pasión es contar historias visuales, un fotograma a la vez. Más pintor que documentalista, su obra pretende mostrar un enfoque impresionista… un tipo de pintura óptica. Su agrupación de imágenes por su conexión común con nuestra tierra (agua, desierto, árboles y geología, no simplemente por ubicación) es una expresión de su sincera comprensión y respeto por nuestro mundo. Su ingeniosa captura de momentos de luz revela una visión de nuestro entorno que solo el observador perceptivo puede compartir (Mark Berndt, fotógrafo, Santa Fe, Nuevo México, Estados Unidos, 2024).

Propiciar desde el gesto, una pintura libre que persiste en el ambiente de su realización. Expandir la materia –dado que en tanto seca tiene vitalidad propia– domarla. Extender el caos, improvisar; en tiempo preciso concretar resultados dignos de análisis. Quedar en lo abstracto con rastros de apariencia, acercamiento a formas reconocibles. Escudriñar en la creación. Sumar en la tradición de la pintura como cimiento para levantar con su ejecución y practica una obra propia, que con el disfrute de resultados visuales persuada sobre ideas y comentarios de vida. 

Mis pensamientos, mis ideas siempre simbolizan la realidad, la sociedad, la naturaleza, las emociones y otra forma de expresar la experiencia de un viaje de ciencia ficción, las memorias. Todo mi trabajo expresa la mortalidad y la morbilidad. La realidad de la vida, como el dolor, el amor, la alegría, la felicidad, la creación madura, etc., se plasma principalmente en mi escultura. Mi trabajo nos ha dado algunos mensajes sobre la educación más elevada, que no solo nos da información, sino que hace que nuestra vida esté en armonía con toda la existencia.

Creo en la práctica artística como un medio de conocimiento, un camino hacia el espíritu, una constante búsqueda de la magia inherente al universo. La obra es el testimonio de la indagación en lo cotidiano. Las diversas presentaciones son evocaciones, búsquedas, contactos con el deseo de penetrar en el flujo de la vida.

Antes de pintar, hago una infinidad de bocetos, proyectos previos para de ellos escoger con qué me quedo. […] Hay veces en que también modifico mis bocetos finales, si se quiere es como una especie de “geometría gestual”, donde de alguna manera no dejan de estar vivas la improvisación y la espontaneidad. No hay duda de que la geometría concreta es racional, para mí su esencia es ir combinando y componiendo con las formas geométricas que son de mi agrado como el cuadrado, el rectángulo, el triángulo, el círculo, el semicírculo. […] Así, en la medida en que voy ajustando la composición hago lo mismo con los colores, juego con su intensidad y busco el contraste. (José Rosabal, hypermediamagazine.com)

El paisaje –cualquier tipo que imagino o que he visto alguna vez– provoca en mí algo inexplicable. Los pinto porque los necesito para mirarlos con calma. Sin la prisa de verlos desde un auto o desde una ventana o de cualquier manera que los haga efímeros: las nubes, con todas las formas que construyen en cuestiones de segundos; las montañas con todas sus curvas, unas más sensuales que otras; los árboles (…), en fin, todos los planos de colores, que si nos detenemos a observar con los ojos entreabiertos, podremos convertirlos en lo que se nos ocurra sin que dejen de ser paisajes completamente hermosos.

Sus trabajos emergen en esta serie como atmósferas de color de luz y color en las que se logran efectos visuales que dilatan el espacio ante la mirada del perceptor. Resulta casi indistinguible cualquier plano en composiciones en las que aparecen texturas como para dar una cualidad material a la luz de un estallido primigenio, en el que pueden suponerse fuerzas contrapuestas que conviven en el subconsciente del artista (C. Escala Fernández).

A través de la composición, sus elementos y cromatismo particular interpreto una percepción del mundo circundante. Aunque a estos agrego componentes diversos menos convencionales con los cuales añado pigmentos y texturas a las piezas que se sobreponen a la suavidad del pincel y marcan mi estilo personal de tupida paleta.

Alternando entre la expontaneidad gestual y en ocasiones concepción planificada, rompiendo así con la intención de representar algo puramente específico, represento mis emociones, estado de ánimo, la luz, atmósfera y la naturaleza. Trato de mantener predilección por el arte abstracto, utilizo la técnica mixta predominando en las últimas obras el acrílico, a menudo agregando extensas texturas, tratando de resaltar los altos contrastes, colores y subliminales formas.

Mi obra se caracteriza por un lenguaje visual minimalista –pero potente– que invita al espectador a contemplar lo profundo y lo sagrado. Desafío los relatos históricos tradicionales a través del arte contemporáneo, creando obras que reinterpretan acontecimientos históricos, figuras y patrimonio cultural. Mi arte sirve como herramienta para cuestionar, reescribir y recontextualizar el pasado, celebrando la mezcla de culturas e identidades.

Miroslav, tanto en los trabajos bidimensionales como tridimensionales, propone una manera de diseccionar la noción de la realidad mediante componentes que nos remitan a lo espacial, lo temporal, lo cotidiano. Pero es en la pintura donde parece encontrar sus verdaderos deseos. Cada pintura suya pasa por un proceso de búsqueda desde su experiencia para el exterior de la sociedad, pues lo importante en sus trabajos siempre ha sido su temática, independientemente al trabajo estético- formal. La obra pictórica aporta un gusto por lo antiguo y lejano, un placer por el desorden en la imaginación.



Víctor ha de salvar en sus telas y cartulinas la planimetría del muro y la maniobra evasiva; para intersecar planos, espacios, historias acumuladas, versos labrados en la piedra como resultado de ese diálogo perenne entre el hombre y las fuerzas de la naturaleza; para alzarse sobre cualquier cómodo mimetismo en su trayecto hacia la morada del espíritu y entregar una obra viva, maleable, una manera de interpretar cualquier realidad, no de reproducir un hallazgo formal ni un modo de vida… (C. Escala Fernández).



La creatividad es como otro mundo, el mundo que dibujas sobre papel o lienzo añadiendo colores que tú mismo eliges. A veces, este mundo es tan secreto que nadie más que tú puede resolverlo. […] El arte es mi razón de vivir y siempre me aseguro de que mi creación salga del corazón…

De 1990 a 2000 exploré el trabajo con acuarela y la técnica del óleo. Obras figurativas, paisajes y naturalezas muertas. Luego descubrí el acrílico, usado hasta el día de hoy, pero lo abstracto se me impuso desde 2018. Al utilizar acrílico y tintas en mis lienzos, su fusión crea gráficos asombrosos. Por lo tanto, invito a los visitantes durante mis exposiciones a liberar su imaginación descubriendo mis pinturas y a compartir sus sentimientos. Es un momento de compartir que es esencial. Llevo años pintando, es fundamental para mí, me guío por mis emociones… Como artista espero encarnar una cierta idea de libertad de expresión, y deseo evolucionar y compartir siempre reflexiones con el público.

Su objetivo es expresar un sentimiento, una vivencia con una paleta de colores que también puedan reír y llorar, hablar sin hablar y conectarse con aquellas mentes que estén dispuestas a escuchar con el poder de los ojos. Temblar o sobreponerse siempre ante un lienzo en blanco, que invita a la duda, al vacío o el sentir de los demás; la materialización de lo inmaterial. Gustav comenta que siempre ha sido necesario tener la mente abierta a las diferentes formas de expresión del arte, a la sinestesia y el conocimiento en general, sin perder de vista las nuevas tendencias artísticas que van surgiendo a cada momento (revista Ambientes, No. 119 / 2019).

Inspirado por los recuerdos de su infancia, cuando se integró casi idealmente en la comunidad utópica en la que creció, después de que el pueblo fuera demolido y la comunidad se dispersara a otro lugar, el artista comenzó a dibujar, pintar y estudiar los fragmentos de casas que quedaban. Él explora los restos del pueblo en ruinas en busca de patrones de espacios, formas y orden parcialmente definidos. La experiencia que obtuvo de las secuelas de una comunidad que alguna vez fue feliz lo intriga y lo lleva a preguntarse cuál fue la fuerza invisible que diseñó y mantuvo ese entorno físico y mental urbano arcádico. ¿Cómo lo afecta?

La naturaleza ejerce una profunda influencia sobre mí y, cada vez que me encuentro conmigo mismo, estoy conmigo mismo. Mi lienzo contiene el lenguaje del acrílico y el pastel con el que hablo, transmitiendo mis pensamientos y emociones. La profundidad de mis pinturas, con su uso sobrio y texturizado de los colores, reside en esta emotividad más que en la materialidad de las imágenes. La belleza puede ser, de hecho, superficial, pero el significado se encuentra en otra parte, más arraigado en el corazón y la mente. Cuando el espectador se conecta con la pintura, también se une a esta conversación y comparte su alegría.

Soy un artista joven. Mi trabajo, y principalmente su contenido, es pintar expresión, pintar dolor, miedo, desesperanza, depresión… Quiero crear una impresión y emoción en las personas. Cómo entender el estado psicológico. Me pongo a mí mismo en cada trabajo, en qué tipo de estado mental estoy. Todos los días hice algo para acercarme a mi sueño de ser artista y crear, pero realmente no es un sueño, es mi estilo de vida. […] Porque para mí, crear obras no se trata de hacer y vender; es algo más. Quiero dejar un mensaje a las personas para que sepan que el arte, más que crear y vender, tiene el valor de evocar alguna emoción en ellos, sea buena o mala. Lo único que me llena es crear activamente. Implementé la visión artística para darle propósito y significado al arte.

Siempre me han atraído el dibujo y la pintura. Me recuerdo de niña siempre pintando, probando combinaciones de colores y fijándome en todo lo que hubiese a mi alrededor para reproducirlo a mi manera. Aunque me he especializado en arte abstracto y contemporáneo también me gusta la pintura clásica, aunque sea un estilo completamente diferente a lo que yo hago. En mis cuadros me gusta experimentar con distintas técnicas y materiales, para conseguir el efecto que quiero mostrar.

La figuración fue mi estilo durante más de 40 años exponiendo mi obra. Ahora he necesitado crear, sentir y exprimir, rompiendo con todo lo establecido para parir todo cuanto necesito expresar. […] He aprendido a desaprender lo aprendido… Esto es la esencia de la creación expresiva. Tan solo conservo el conocimiento que me aporta la experiencia, renegando de formas y conceptos preestablecidos. Absoluta libertad. PURA Y DIRECTA creación y comunicación del alma…Esencia intrínseca de la artista y su creación.



Cada una de mis obras cuestiona la sustancialidad de nuestra identidad simbólica, buscando extraer de sus grietas nuevas perspectivas que permanecían ocultas. Me interesa socavar la ilusión de realidad y el lenguaje allí donde trazan límites, barreras, fronteras a lo humano, imponiendo verdades últimas.

…En mi pintura el pasado influye y allí encuentra su acomodo: Las costuras de mi madre, las amarras del pescador la corrosión del salitre, las cercas, el bahareque, lo místico religioso, lo mágico caribeño, la simbología indigenista. […] Busco en mis trabajos una reinterpretación de nuestro pasado, intentando que la obra y el objeto convivan en un lenguaje común, que el espectador sienta visual y táctilmente, sensaciones ya vividas…